Wolfgang Petersen não poderia fazer algo desinteressante. Isso muitas vezes era uma coisa boa, como nos thrillers que lhe valeram a entrada na lista A de Hollywood; mas também podia ser uma coisa farpada nas ocasiões em que abordava assuntos mais sérios. Ele fez os primeiros dias de uma pandemia global em Surto em um tiroteio militar com uma tumultuada história de amor como metáfora e uma tragédia da vida real na morte de uma tripulação de pesca em Uma Tempestade Perfeita. Até mesmo seu avanço atingiu O barco , que foi posado como uma peça antiguerra, provou a máxima de François Truffaut sobre como é impossível fazer um filme antiguerra porque no ato de retratá-lo, enobrece-se. Seu legado será o de um cineasta de grande orçamento de filmes enormes sobre homens em tensão uns com os outros: um Howard Hawks em seus melhores momentos e um PT Barnum em seus piores. Ou seja, mesmo nos piores momentos, os filmes de Petersen eram imensamente divertidos.
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Tão divertido, na verdade, que é mais difícil do que o normal identificar qual de seus filmes é o mais conhecido. O barco é geralmente considerado um dos grandes filmes alemães: as façanhas claustrofóbicas de uma tripulação fictícia de U-Boat da Segunda Guerra Mundial liderada por um jovem capitão (Jurgen Prochnow) tão carismático que é impossível não torcer para que eles sobrevivam a seus vários ataques de torpedo contra navios aliados . Imensamente popular aqui e na Alemanha, o filme é um gerador de empatia e uma apologia aos “bons alemães” durante a guerra que apenas fizeram seu trabalho mesmo odiando os nazistas dando ordens. É um filme maravilhoso, conciso e aterrorizante, carregado de uma mensagem carregada que pode ser o ponto principal (a guerra é complicada) ou ofuscar um ponto maior em que a pessoa que mais gostamos é um monstro responsável pela morte de centenas de marinheiros britânicos em defesa de um regime genocida. Isso promove a mitologia egoísta dos mocinhos na guerra. Na verdade, faz da guerra um rito de passagem. Política incômoda à parte, O barco é uma obra-prima do filme de esquadrão – um modelo de seu subgênero evocado sempre que outros filmes de submarinos (como Maré Carmesim, A Caçada ao Outubro Vermelho ou K-19 ) aparecem nas bilheterias — e com razão. É incrível.
Petersen aproveitou O barco o sucesso de um convite para Hollywood e um projeto pessoal peculiar, uma adaptação solta da obra de Michael Ende A história sem fim amplamente amado pela minha geração como um filme que fomos autorizados a alugar quando crianças, o que nos fez sentir tão desconfortáveis e miseráveis em algumas partes quanto os filmes de terror que cobiçamos. Sua história de uma criança transportada para um mundo de fantasia para salvar uma princesa criança é reforçada por um enorme boneco “dragão” animatrônico que se parece com um cachorro, e sequências em que estátuas gigantes vaporizam peregrinos infelizes e um cavalo se afoga em um pântano como vítima. de sua própria tristeza. Fácil de descartar, mas provou ser indelével – ainda mais quando Rob Reiner emprestou seu tom e até algumas de suas imagens para seu clássico cult schmaltz A noiva princesa . Não contente com um projeto excêntrico, Petersen seguiu imediatamente para um dos meus filmes favoritos quando criança, Mina inimiga ; e, em seguida, um thriller erótico insano à moda do pós- Atração Fatal época que aumentou minhas paixões adolescentes por Joanne Whalley e Greta Scacchi em Estilhaçado .
Para os não iniciados, Mina inimiga é uma saga de naufrágio intergaláctico sobre o lutador humano Davidge (Dennis Quaid) abandonado em uma rocha abandonada com o guerreiro alienígena-lagarto Drac (Louis Gossett Jr.) Os desafiadores união de forças para sobreviver ao ambiente inóspito por tempo suficiente para o resgate. É tão ridículo em sua superfície, e tão amplo em sua moralização sobre os horrores da guerra e como a fraternidade é apenas superficial, que é impossível ser muito cínico sobre qualquer coisa. É o tipo de Robinson Crusoé em Marte Filme B que teria encontrado uma programação entusiasmada de matinê de sábado uma geração atrás, e eu volto a ele a cada poucos anos. Gossett deveria ter ganhado o Oscar por esta performance em vez de sua vez Um oficial e um cavalheiro . Afinal, não é todo dia que um ator masculino dá à luz em um grande filme. Como os outros filmes de Petersen, sua política é, na melhor das hipóteses, desconfortável. Se é uma foto de raça, por que o homem negro está sob uma polegada de próteses e feito para ser verdadeiramente alienígena? Se é outro filme antiguerra, por que é tão fácil e emocionante? E, no entanto, o que funciona no filme funciona em todos os filmes de Petersen: é uma máquina cinética mais interessada no ritmo do que na introspecção.
Considerar Estilhaçado, por exemplo, que ostenta uma trama tão loucamente complicada que, se a narração fosse algo menos do que sobrecarregada, desmoronaria sob o peso de seus próprios artifícios. Tom Berenger interpreta Dan, brutalmente desfigurado em um acidente de carro maximalista e casado com a bela Judith (Scacchi), que pacientemente cuida dele enquanto ele tenta recuperar suas memórias dos incidentes que antecederam a noite do acidente. Bob Hoskins é dono de um pet shop/detetive particular e Joanne Whalley interpreta a esposa do sempre nojento Corbin Bernsen; e falar mais sobre isso entregaria demais. Basta dizer que Petersen filma as cenas de sexo de Dan e Judith em exposições duplas com uma onda gigante quebrando, e o giro de um volante de Dan é rimado com uma câmera giratória e uma tela circular. Petersen aborda a insanidade da história com insanidade própria. Nunca é nada além de ridículo, e nunca é chato, nem por um segundo.
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Petersen voltou ao cinema de prestígio popular com o filme de 1993 Na linha de fogo , a continuação de Clint Eastwood para sua triunfante Imperdoável. Na linha de fogo foi um filme de ação “sério” sobre o envelhecimento do agente do Serviço Secreto Frank Horrigan envolvido em uma batalha de inteligência com o assassino presidencial sociopata Mitch Leary (John Malkovich). É o segundo papel consecutivo de Eastwood em que sua idade se torna uma questão central no filme; e a segunda onde supera a idade para demonstrar sua virilidade inabalável em um momento de crise. O namoro que antecedeu o romance de maio/dezembro entre Frank e a agente Lilly Raines (Rene Russo – recém-saída de uma reviravolta semelhante à garota de Mel Gibson em Arma letal 3 ) envelheceu extremamente mal, mas a capacidade de Petersen de capturar sequências de ação de crackerjack - até e incluindo uma homenagem fascinante a Vertigem A sequência de abertura de Frank, incapacitado, é forçado a testemunhar a execução de seu parceiro mais jovem, Al (Dylan McDermott), permanece atual e tensa. Não é um bom filme, mas é ótimo em sua maldade. O mesmo poderia ser dito sobre o tolo, mas empolgantemente nacionalista Força Aérea Um quando radicais russos enlouquecidos liderados por Ivan Korshunov (Gary Oldman) sequestram o avião do presidente americano James Marshall (Harrison Ford), com ele e sua família a bordo, com a intenção de executar um refém a cada meia hora até que suas demandas sejam atendidas. É essencialmente Duro de Matar em um avião quando POTUS se revela como um ex-vencedor da Medalha de Honra, pegando terroristas um a um como reféns nas negociações lideradas pelo Gabinete (que inclui Glenn Close, William H. Macy e Dean Stockwell, uma vergonha de riquezas) ocorrem de o chão. O slogan “saia do meu avião” do presidente Marshall enquanto ele joga Ivan no vazio é tão pouco sutil quanto estimulante. Isso é Petersen em poucas palavras: nada sutil, mas galvanizante. Realmente, toda a sua filmografia poderia ser descrita como uma adaptação cinematográfica das obras triunfais de John Philip Sousa. Não muita profundidade, mas um monte de aplausos.
Os filmes de Wolfgang Petersen não eram sérios, embora tocassem em questões sérias: eram filmes-espetáculo, e bons. A tempestade perfeita é aterrorizante quando a tempestade começa, e sua ignorada Poseidon O remake é igualmente poderoso quando o enorme navio de cruzeiro começa a entrar na água. Surto é mais sobre conspiração do governo do que sobre saúde pública, mas apenas Petersen poderia nos deixar preocupados com Kevin Spacey quando ele rasga seu traje de proteção. E Troy sente falta da escala melancólica de Ésquilo, mas nas sequências de batalha de Aquiles (Brad Pitt), há algo como grandeza real. O que se perdeu na conversa em torno de suas fotos depois O barco , no entanto, é seu dom genuíno para identificar e aprimorar uma figura central masculina magnética em torno da qual arquétipos emocionalmente legíveis estão dispostos sob sua proteção ou em conflito direto com ele. Prochnow em O barco , Dennis Quaid, Dustin Hoffman, Clint Eastwood, Harrison Ford, George Clooney, Brad Pitt, Kurt Russell – a carreira de Petersen é um quem é quem dos protagonistas dos anos 1990 e, por trás deles, uma coleção notável de nossos maiores personagens e atores coadjuvantes (Morgan Freeman , Donald Sutherland, e assim por diante). Ele lhes dá espaço para respirar e, ao fazê-lo, dá aos cenários de ação que ancoram seu filme as apostas emocionais necessárias para a tensão. Os filmes de Petersen são divertidos de assistir porque são legitimamente emocionantes no momento e, para filmes projetados para serem amplamente esquecíveis, estão cheios de momentos inesquecíveis.
Para uma apreciação completa de Wolfgang Petersen, rastreie os suportes de livros de sua carreira, pois eles contam uma história interessante dele como artista. Depois de cortar os dentes na televisão e no documentário, seu primeiro longa é A consequência , um filme progressivo sobre um ator, Martin (Prochnow) na prisão que se apaixona pelo filho do diretor Thomas (Ernst Hannawald). Martin é libertado eventualmente e os dois vão morar juntos, seu breve período de felicidade interrompido quando o pai vingativo de Thomas o prende. Martin constrói um ardil e o liberta, eles são traídos e, no final, Thomas fica tão prejudicado por seu tratamento por seu pai e pela crueldade do mundo, que seu futuro é pintado como irremediavelmente condenado por seu trauma e depressão. O último filme de Petersen, Quatro contra o banco (2016) é um remake de um filme de televisão que ele fez em 1976 sobre um quarteto de schlubs de classe média que, atingidos por uma recessão e uma série de infortúnios financeiros, conspiram para roubar um banco. O primeiro um melodrama social de princípios na tradição de Manuel Puig; a segunda, uma comédia de costumes e desventuras de Wodehouse-cum-Westlake. Ambos mostram uma sensibilidade à consciência social que seus trabalhos mais bombásticos disfarçam. A destreza com que ele retrata o caso de Martin e Thomas fala especialmente de uma conversa com a intimidade masculina e é essa experiência essencial de homens com homens em seus momentos de maior pressão que é a faísca que acende as conflagrações explosivas de seus artefatos pop. Qual é a base de Na linha de fogo afinal do que uma série de conversas sussurradas entre Clint Eastwood e John Malkovich? Quais são alguns de seus filmes realmente em seu coração, mas a crônica de homens que se amam e se entendem no final de suas vidas? Wolfgang Petersen morreu na sexta-feira (12 de agosto). Ele fez filmes ruins que você quer assistir muito. Ele fará falta.